Galeria Arte em voga

Van Gogh em seus vários olhares

2009-02-16T15:11:00.000-08:00

"Quando os marujos tem que carregar um fardo muito grande ou levantar âncoras, para poder levantar um peso muito grande, para serem capazes de um esforço extremo, eles todos cantam juntos para se animarem e darem força uns aos outros. Que é isto que falta aos artistas!"

Quando Artaud escreveu "O suicidado pela sociedade" acertou tanto quanto Van Gogh em seus amarelos. Van Gogh teria apontado a espingarda para si, mas a sociedade em sua avassaladora hipocrisia é que puxaria o gatilho. Se não fossem as "Cartas a Theo" (coleção "Rebeldes e malditos") que o pintor escrevia a seu irmão -diariamente!- não teríamos a dimensão histórica de sua passagem e sua representatividade humana. Theo seu desvelado irmão mais novo era quem o bancava, e também sucumbiu à tragédia morrendo muito jovem, deixando mulher e filho pequeno após o suicídio do artista.

Visionário, pintor compulsivo (chegou a criar mais de quarenta quadros num dia!), bebedor inveterado, amante exagerado -quando recolheu "Sien" a prostituta mendiga para viver com ele como sua mulher, toda a cidade lhe fechou as portas- Van Gogh exemplificava o criador em sua "fúria divina". Sua vida não se distinguia das fortes pinceladas de seus quadros. Seus cânones eram demasiado humanos e buscou por compreensão toda a sua existência. Irascível, tido como o holandês louco, Van Gogh acreditava num atelier onde todos os artistas viveriam juntos, pintariam juntos, e discutiriam suas obras. E aí é que a coisa parece ter virado novela mexicana -Theo pagou a Gaughin secretamente para que fingisse fazer parte do sonhado atelier, e dai para Van Gogh atirar sobre a cara do estimado mestre um copo de absinto, perseguí-lo com uma navalha, cortar a própria orelha e entregá-la a sua amante ex-cafetina, e na ocasião dona de restaurante (onde expunha as obras dos artistas), foi como se diz, um pulo.

As cartas para seu irmão nos mostram um ser aflito e em permanente combustão, tudo é importante para ele, cada gesto, cada palavra, mas para a sociedade não passava de mais um pintor, mais um vagabundo perambulando pela Europa e Paris, a cidade luz. Portanto não fossem as cartas sua história de vida teria que ser extraída apenas de seus quadros. Van Gogh, uma geração após os impressionistas foi o precursor do expressionismo –o pintar não o que se vê, mas o que se sente (e daí a importância de sua história pessoal)- e permeou todo o entulho causado pela grande explosão de “ismos”, influenciando radicalmente e permanentemente, como divisor de águas, o que hoje conhecemos como modernidade nas artes.

Reinaldo Simões

Van Gogh

2009-02-09T06:40:00.000-08:00

Um pouco de sua obra:
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Vincent Willem van Gogh (Zundert, 30 de Março de 1853 — Auvers-sur-Oise, 29 de Julho de 1890) foi um pintor pós-impressionista neerlandês, considerado um dos maiores de todos os tempos.

A sua fama póstuma cresceu especialmente após a exibição de 71 das suas telas em Paris, a 17 de Março de 1901. Somente após a sua morte sua obra foi amplamente reconhecida.
A influência de Van Gogh no expressionismo, fauvismo e abstraccionismo foi notória e pode ser reconhecida em variadas frentes da arte do século XX. Van Gogh é considerado pioneiro na ligação das tendências impressionistas com as aspirações modernistas.

Vincent era uma criança séria, quieta e introspectiva. Desenvolveu através dos anos uma grande amizade e forte ligação com seu irmão mais novo, Theo. A vasta correspondência entre Theo e Vincent foi preservada e publicada em 1914, trazendo a público inúmeros detalhes da vida privada do pintor, bem como de sua personalidade. É através destas cartas que se sabe que foi Theo quem suportou financeiramente o irmão durante a maior parte da sua vida.

Aos 16 anos, por recomendação de seu tio Vincent (ou Cent), começou a trabalhar para um comerciante de arte estabelecido na Haia, na empresa Goupil & Cie. Quatro anos depois foi transferido para Londres, e depois para Paris.

Em 1880, Vincent decidiu seguir a sugestão do seu irmão Theo e levar a pintura mais a sério. Ele partiu para Bruxelas para tomar aulas com Willem Roelofs, que o convenceu de tentar a Academia Royal de Artes. Lá ele estudou um pouco de anatomia e de perspectiva.

(leia mais a q u i)

Van Gogh Muse um (Amsterdã)

"Após a experiência dos ataques repetidos, convém-me a humildade. Assim pois: paciência. Sofrer sem se queixar é a única lição que se deve aprender nesta vida." Vincent van Gogh

Arte africana - parte 1

2008-02-08T06:49:00.001-08:00

Arte africana - parte 2

2008-02-08T06:33:00.000-08:00

Sebastião Salgado

2008-01-24T03:09:00.000-08:00

Sebastião Ribeiro Salgado (Aimorés, 8 de fevereiro de 1944) é um fotógrafo brasileiro

reconhecido mundialmente por seu estilo único de fotografar.

Nascido em Minas Gerais, é um dos mais respeitados fotojornalistas da atualidade. Nomeado como representante especial do UNICEF em 3 de abril de 2001, dedicou-se a fazer crônicas sobre a vida das pessoas excluídas, trabalho que resultou na publicação de dez livros e realização de várias exposições, tendo recebido vários prêmios e homenagens na Eu ropa e no continente americano.

"Espero que a pessoa que entre nas minhas exposições não seja a mesma ao sair" diz Sebastião Salgado. "Acredito que uma pessoa comum pode ajudar muito, não apenas doando bens materiais, mas participando, sendo parte das trocas de idéias, estando realmente preocupada sobre o que está acontecendo no mundo".

Formado em economia pela Universidade de São Pa ulo, trabalhou na Organização Internacional do Café em 1973,e trocou a economia pela fotografia após viajar para a Africa levando emprestada a camêra fotográfica de sua mulher, Lélia Wanick Salgado. Seu primeiro livro, Outras Américas, sobre os pobres na América L atina, foi publicado em 1986. Na seqüência, publicou Sahel: O Homem em Pânico (também publicado em 1986), resultado de uma longa colaboração de quinze meses com a ONG Médicos sem Fronteiras cobrindo a seca no Norte da África. Entre 1986 e 1992, ele concentrou-se na documentação do trabalho manual em todo o mundo, publicada e exibida sob o nome Trabalhadores, um feito monumental que confirmou sua reputação como fotodocumentarista de primeira linha. De 1993 a 1999, ele voltou sua atenção para o fenômeno global de desalojamento em massa de pessoas, que resultou em Êxodos e Retratos de Crianças do Êxodo, publicados em 2000 e aclamados internacionalmente.

Na introdução de Êxodos, escreveu: "Mais do que nunca, sinto que a raça humana é somente uma. Há diferenças de cores, línguas, culturas e oportunidades, mas os sentimentos e reações das pessoas são semelhantes. Pessoas fogem das guerras para escapar da morte, migram para melhorar sua sorte, constróem novas vidas em terras estrangeiras, adaptam-se a situações extremas…" Trabalhando inteiramente com fotos em preto e branco, o respeito de Sebastião Salgado pelo seu objeto de trabalho e sua determinação em mostrar o significado mais amplo do que está acontecendo com essas pessoas criou um conjunto de imagens que testemunham a dignidade fundamental de toda a humanidade ao mesmo tempo que protestam contra a violação dessa dignidade por meio da guerra, pob reza e outras injustiças.

Ao longo dos anos, Sebastião Salgado tem contribuído generosamente com organizações humanitárias incluindo o Fundo das Nações Unidas para a Infância (UNICEF), o Alto Comissariado das Nações Unidas para os Refugiados, (ACNUR), a Organização Mundial da Saúde (OMS), a ONG Médicos sem Fronteiras e a Anistia Internacional.Com sua mulher, Lélia Wanick Salgado, apóia atualmente um projeto de reflorestamento e revitalização comunitária em Minas Gerais.

Em setembro de 2000, com o apoio das Nações Unidas e do UNICEF, Sebastião Salgado montou uma exposição no Escritório das Nações Unidas em Nova Iorque, com 90 retratos de crianças desalojadas extraídos de sua obra Retratos de Crianças do Êxodo. Essas impressionantes fotografias prestam solene testemunho a 30 milhões de pessoas em todo o mundo, a maioria delas crianças e mulheres, que não têm uma residência fixa. Em outras colaborações com o UNICEF, Sebastião Salgado doou os direitos de reprodução de várias fotografias suas para o Movimento Global pela Criança e para ilustrar um livro da moçambicana Graça Machel, atualizando um relatório dela de 1996, como Representante Especial das Nações Unidas sobre o Impacto dos Conflitos Armados sobre as Crianças. Atualmente, em um projeto conjunto do UNICEF e da OMS, ele está documentando uma campanha mundial para a erradicação da poliomielite.

Sebastião Salgado foi internacionalmente reconhecido e recebeu praticamente todos os principais prémios de fotografia do mundo como reconhecimento por seu trabalho. Fundou em 1994 a sua própria agência de notícias, "a Imagens da Amazónia" , que representa o fotógrafo e seu trabalho. Salgado e sua esposa Lélia Wanick Salgado vivem atualmente em Paris, autora do projecto gráfico da maioria de seus livros. O casal tem dois filhos.

Sebastião Salgado

2008-01-24T02:49:00.001-08:00

Sebastião Salgado

2008-01-24T02:21:00.000-08:00

Tarsila do Amaral, mulher, brasileira e maravilhosa.

2007-09-08T11:59:00.000-07:00

Com Tarsila, Anita e Di, temos uma tríade de expoentes da arte moderna no Brasil. Não há como não ter orgulho de viver nessa terra. Uma terra abençoada por Deus, e bonita por natureza.E tão bem representada e homenageada pelas hábeis mãos, e pela sensibilidade desses grandes artistas.
Um pouco da vida e da obra de Tarsila do Amaral.

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Tarsila do Amaral nasceu em 1º de setembro de 1886 na Fazenda São Bernardo, município de Capivari, interior do Estado de São Paulo. Filha de José Estanislau do Amaral e Lydia Dias de Aguiar do Amaral. Era neta de José Estanislau do Amaral, cognominado “o milionário” em razão da imensa fortuna que acumulou abrindo fazendas no interior de São Paulo.
Seu pai herdou apreciável fortuna e diversas fazendas nas quais Tarsila passou a infância e adolescência.
Estuda em São Paulo no Colégio Sion e completa seus estudos em Barcelona, na Espanha, onde pinta seu primeiro quadro, “Sagrado Coração de Jesus”, aos 16 anos. Casa-se em 1906 com André Teixeira Pinto com quem teve sua única filha, Dulce. Separa-se dele e começa a estudar escultura em 1916 com Zadig e Mantovani em São Paulo. Posteriormente estuda desenho e pintura com Pedro Alexandrino. Em 1920 embarca para a Europa objetivando ingressar na Académie Julian em Paris. Frequenta também o ateliê de Émile Renard. Em 1922 tem uma tela sua admitida no Salão Oficial dos Artistas Franceses. Nesse mesmo ano regressa ao Brasil e se integra com os intelectuais do grupo modernista. Faz parte do “grupo dos cinco” juntamente com Anita Malfatti, Oswald de Andrade, Mário de Andrade e Menotti del Picchia. Nessa época começa seu namoro com o escritor Oswald de Andrade. Embora não tenha sido participante da “Semana de 22” integra-se ao Modernismo que surgia no Brasil, visto que na Europa estava fazendo estudos acadêmicos.
Volta à Europa em 1923 e tem contato com os modernistas que lá se encontravam: intelectuais, pintores, músicos e poetas.
Estuda com Albert Gleizes e Fernand Léger, grandes mestres cubistas. Mantém
estreita amizade com Blaise Cendrars, poeta franco-suiço que visita o Brasil em
1924. Inicia sua pintura “pau-brasil” dotada de cores e temas acentuadamente
brasileiros. Em 1926 expõe em Paris, obtendo grande sucesso. Casa-se no mesmo com Oswald de Andrade. Em 1928 pinta o “Abaporu” para dar de presente de aniversário a Oswald que se empolga com a tela e cria o Movimento Antropofágico.
É deste período a fase antropofágica da sua pintura. Em 1929 expõe individualmente

pela primeira vez no Brasil. Separa-se de Oswald em 1930.
Em 1933 pinta o quadro “Operários” e dá início à pintura social no Brasil. No ano seguinte participa do I Salão Paulista de Belas Artes. Passa a viver com o escritor Luís Martins por quase vinte anos, de meados dos anos 30 a meados dos anos 50.
De 1936 à 1952, trabalha como colunista nos Diários Associados.
Nos anos 50 volta ao tema “pau brasil”. Participa em 1951 da I Bienal de São Paulo.
Em 1963 tem sala especial na VII Bienal de São Paulo e no ano seguinte participação especial na XXXII Bienal de Veneza. Faleceu em São Paulo no dia 17 de janeiro de 1973.
Aqui, algumas de suas obras. Veja mais no site oficial

Anita Malfatti, outro orgulho brasileiro.

2007-09-04T11:58:00.000-07:00

Do mesmo período de Di Cavalcanti, e fazendo parte da mesma história de amor e carinho pelo Brasil, Anita Malfatti foi uma grande representante da ousadia e do talento da mulher brasileira.

Anita Catarina Malfatti nasceu na cidade de São Paulo, em 1889, filha de pai italiano e mãe norte-americana, sua primeira professora de pintura. Com a ajuda de um tio e padrinho, Anita pôde viajar para
a Europa e Estados Unidos, desenvolvendo sua técnica pictórica de acordo com as tendências contemporâneas, principalmente cubistas e expressionistas. Sua primeira mostra individual no Brasil acontece em 1914, com pouca repercussão, e a segunda em 1917, em que é duramente criticada pelo escritor Monteiro Lobato.
Apesar de sua defesa pelos futuros modernistas, principalmente Oswald de Andrade, ela preferiu dedicar-se, nos anos seguintes, ao estudo da pintura acadêmica.

Convidada pelos modernistas, participa da Semana de 22. A nova
exposição lhe garante uma bolsa de estudos, e ela muda-se para Paris, de onde só voltaria em 1928 para dedicar-se ao ensino da pintura no curso normal. Da década de 1930 em diante, além da atividade docente ( professora ), a artista estaria engajada nos movimentos de classe dos artistas plásticos, ajudando a fundar a SPAM (Sociedade Pró-Arte Moderna), e se tornando a presidente do Sindicato dos Artistas Plásticos. Suas mostras individuais, de 1937 e 1939, chamam a atenção
pelo ecletismo do estilo, que revela influências primitivistas, acadêmicas e modernistas, desconcertando críticos e colegas. Nas décadas seguintes, participaria de várias mostras comemorativas e homenagens, obtendo reconhecimento inquestionável dentro do panorama artístico brasileiro.

Após a morte da mãe, retira-se para uma chácara em Diadema, dedicando-se menos à pintura. Sua ausência nada contribui com o seu esquecimento: a artista seria sempre lembrada, inclusive com uma sala especial na VII Bienal de São Paulo, em 1963.

Anita Malfatti Falece em 6 de novembro de 1964, deixando aos nossos olhos e corações o orgulho por ela ter existido.

MÁRIO DE ANDRADE, O AMOR SECRETO DE ANITA

Contra todos, Anita lutou sozinha tendo a seu lado um único, fiel amigo, confidente, companheiro, defensor e - agora se sabe - sua paixão nem tão secreta assim. A outros amigos Mário se abria e Manuel Bandeira, em carta, alertou:
"O que lhe contaram de Anita não era intriga. Ela está apaixonada por você e esperava que você se definisse."
Mário morreu 19 anos antes de Anita, sem nunca lhe dar essa definição.

No 10º aniversário da morte de Mário de Andrade, Anita Malfatti escreveu:
(...)

«Eu moro longe de São Paulo, tomo conta do meu jardim, arranco o mato e planto as flores e as árvores, rego quando posso, arrumo a casa e pinto as festinhas do nosso povo, que dão alegria ao coração de gente simples.

«O grandioso e o majestoso, assim como a glória e o mágico sucesso me deixam calada, triste, mas as coisas fáceis de pintar, simples de se compreender, onde mora a ternura e o amor do nosso povo, isso me consola, isto me comove. (...)

«Tenho medo de ter desapontado a você. Quando se espera tanto de um amigo, este fica assustado, pois sabe que nós mesmos, nada podemos fazer e ficamos querendo, querendo ser grandes artistas e tristes de ficarmos aquém da expectativa.

«Procurei todas as técnicas e voltei à simplicidade, diretamente: não sou mais moderna nem antiga, mas escrevo e pinto o que me encanta...»

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Outros sites relacionados:

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http://www.pitoresco.com/brasil/anita/anita.htm

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http://www.mac.usp.br/projetos/percursos/modernistas/malfati.html

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http://pt.wikipedia.org/wiki/Anita_Malfatti

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http://willian-online.vilabol.uol.com.br/anita.html

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Abaixo, algumas de suas obras: (alguns nomes não foram encontrados)

Di Cavalcanti, vida e obra.

2007-09-01T21:31:00.000-07:00

Ousado, inquietante, e brasileiríssimo...pintava a alma brasileira, e fazia da sua arte, a expressão máxima do seu amor pelo país do samba, da mulata, do homem simples, do povo alegre, das injustiças sociais e da esperança de um futuro melhor. Alegria, e esperança, maravilhosamente representadas nas linhas e cores das suas telas.

Emiliano Di Cavalcanti nasceu em 1897, no Rio de Janeiro, na casa de José do Patrocínio, que era casado com uma tia do futuro pintor. Quando seu pai morre em 1914, Di obriga-se a trabalhar e faz ilustrações para a Revista Fon-Fon. Antes que os trepidantes
anos 20 se inaugurem vamos encontrá-lo estudando na Faculdade de Direito. Em 1917 transferindo-se para São Paulo ingressa na Faculdade de Direito do Largo de São Francisco. Segue fazendo ilustrações e começa a pintar. O jovem Di Cavalcanti freqüenta o atelier do impressionista George Elpons e torna-se amigo de Mário e Oswald de Andrade. Em 1921 casa-se com Maria, filha de um primo-irmão de seu pai. Entre 11 e 18 de fevereiro de 1922 idealiza e organiza a Semana de Arte Moderna, no Teatro Municipal de São Paulo, cria para essa ocasião as peças promocionais do evento: catálogo e programa. Faz sua primeira viagem à Europa em 1923, permanecendo em Paris até 1925. Freqüenta a Academia Ranson. Expõe em
diversas cidades: Londres, Berlim, Bruxelas, Amsterdan e Paris. Conhece Picasso, Léger, Matisse, Eric Satie, Jean Cocteau e outros intelectuais franceses.
Retorna ao Brasil em 1926 e ingressa no Partido Comunista. Segue fazendo ilustrações. Faz nova viagem a Paris e cria os painéis de decoração do Teatro João Caetano no Rio de Janeiro.Os anos 30 encontram um Di Cavalcanti imerso em dúvidas quanto a sua liberdade como homem, artista e dogmas partidários. Inicia suas participações em exposições coletivas, salões nacionais e internacionais como a International Art Center em Nova Iorque. Em 1932, funda em São Paulo, com Flávio de Carvalho, Antonio Gomide e Carlos Prado, o Clube dos Artistas Modernos. Sofre sua primeira prisão em 1932 durante a Revolução Paulista. Casa-se com a pintora Noêmia Mourão. Publica o álbum A Realidade Brasileira, série de doze desenhos satirizando o militarismo da época. Em Paris, em 1938,
trabalha na rádio Diffusion Française nas emissões Paris Mondial. Viaja ao Recife e Lisboa onde expõe no salão “O Século” quando retorna é preso novamente no Rio de Janeiro. Em 1936 esconde-se na Ilha de Paquetá e é preso com Noêmia.
Libertado por amigos, seguem para Paris, lá permanecendo até 1940. Em 1937 recebe medalha de ouro com a decoração do Pavilhão da Companhia Franco-Brasileira, na Exposição de Arte Técnica, em Paris.
Veja mais no site:
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Di Cavalcanti

Di Cavalcanti, uma viagem à alma brasileira.

2007-09-01T19:46:00.000-07:00

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" - A mulata, para mim, é um símbolo do Brasil. Ela não é preta nem branca. Nem rica nem pobre. Gosta de música, gosta do futebol, como nosso povo. (...)"

"Moço continuarei até a morte porque, além dos bens que obtenho com minha imaginação, nada mais ambiciono."

"No carnaval eu sempre senti em mim a presença de um demônio incubo que se desvendava como um monstro, feliz por suas
travessuras inenarráveis. É uma das formas de meu carioquismo irremediável e eu me sinto demasiadamente povo nesses dias de desafogo dos sentimentos mais terrivelmente terrenos de meu ser..."

"... "Fon-Fon" publicou a primeira caricatura de minha autoria. Depois tomei o trem para São Paulo. Fui para Ribeirão Preto. Em Ribeirão Preto vivi uma vida estranha. Marcava dormentes na Mogiana, com meu querido tio Ariosto e freqüentava os cabarés da cidade.
Ribeirão Preto iniciou-me no amor ao cabaré. Voltei ao Rio. E decidi ser mais depressa possível um profissional das artes e, se possível, das letras."

"A exposição de Anita Malfatti em 1917 foi a revelação de algo mais novo do que o impressionismo, mas Anita vinha de fora, seu modernismo, como o de Brecheret e Lasar Segall, tinha o selo da convivência com Paris, Roma e Berlim. Meu modernismo coloria-se do anarquismo cultural brasileiro e, se ainda claudicava, possuía o Dom de nascer com os erros, a inexperiência e o lirismo brasileiros."

"...Paris pôs uma marca na minha inteligência. Foi como criar
em mim uma nova natureza e o meu amor à Europa transformou meu amor à vida em amor a tudo que é civilizado. E como civilizado comecei a conhecer a minha terra."

Uma Flor para Di Cavalcanti
Esta é uma flor para Di,
uma flor em forma di-ferente: de flor-mulher,
desabrochada onde querque exista amor e verão.
Verão como a cor cinti-la nas curvas,
e sorri nesse púrpuro arrebolque
Di tirou do seu Riocoado de mel e sol.
Uma flor-pintura, zi-nindo o canto de amor
que acompanhou toda a vi-da do pincel,
o gozo-dor de criar e de sentir,
di-vina e tão sensual ração que coube,
na Terra, a Di.

Carlos Drummond de Andrade

... Que bom que existas,
pintorEnamorado das ruas
Que bom vivas, que bom sejas
Que bom lutes e construas
Poeta o mais carioca
Pintor o mais brasileiro
Entidade mais dileta
Do meu Rio de Janeiro-
Perdão meu irmão poeta
Nosso Rio de Janeiro

(Vinícius de Morais,setembro de 1963)

Iman Maleki, um gênio do modernismo

2007-08-29T09:45:00.000-07:00

Quando se fala em lugares como Iraque, Irã, Afeganistão, nossa memória nos remete automaticamente à imagens tristes e histórias de dor e sofrimento.
Em meio as agruras da guerra e as sansões por ela impostas, um olhar á capaz de captar beleza, expressividade e sonho. Iman Maleki, gênio do realismo, ganhou o prêmio William Bouguereau e o Chairman's Choise, no II Concurso Internacional de Art Renewal Center. Muitos o consideram o melhor pintor de arte realista do mundo.
Especialistas afirmam que seus desenhos competem com as câmeras digitais de 10 megapixeles.

Aqui, alguns de seus trabalhos, que também podem ser vistos no site oficial .
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Clique na imagem para vê-la ampliada

Iman Maleki, um gênio do modernismo

2007-08-29T09:27:00.001-07:00